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Há anos, muito anos, nem sei quantos, os Red Hot Chili Peppers tornaram-se uma das bandas de rock mais chatas do universo. Tirante uma ou outra boa canção, vinham oferecendo sempre mais do mesmo: baladas hippies para animar o luau de universitários maconheiros e faixas mais funkeadas, mas com os raps sem sentido de Anthony Kiedis e seus "scaba-dooba-California". Um horror.

Mas alguma coisa mudou em "The Getaway", segundo disco desde a segunda partida do guitarrista John Frusciante e o primeiro em 25 anos sem o produtor Rick Rubin, que apadrinhou a banda em "Mother's Milk", de 1989, e os ajudou a dominar as paradas a partir de 1991, com "Blood Sugar Sex Magik".

Produzido pelo competente Danger Mouse, um dos magos de estúdio desse milênio, e mixado por Nigel Godrich, conhecido por seu trabalho com o Radiohead, o 11º álbum do RHCP é quase um sopro de ar fresco.

Os arranjos são mais ricos e complexos, com uso de piano, backing vocals femininos e as bonitas texturas de guitarra de Josh Klinghoffer. E o melhor: as baladas de acampamento dão lugar agora a canções mais sóbrias e adultas, quase atmosféricas, como as dilacerantes "The Hunter" e "Dreams of a Samurai".

Kiedis também abdicou, para seu próprio bem, de boa parte dos tiques que o fizeram vítima de milhares de memes e trollagens pela Internet afora. Mostra que está com a voz em dia e maneirando nos "hey yos" e nos raps. Mas o cara não é de ferro e em menos de dois minutos de álbum, já manda sua primeira menção à dourada Califórnia. Faz parte.

"The Getaway" tem altos e baixos, mas é um disco uniforme e que acerta na maioria de suas escolhas. Oferece boas, e às vezes ótimas, canções pop ("Dark Necessities", "Go Robot" e a faixa título), e também temas que sinalizam para o distante passado do grupo, ainda que com nova roupagem. São os casos do funk torto "Detroit" e "This Ticonderoga", com guitarras pesadas e um refrão bobinho e inofensivo.

O toque autoral de Brian Burton (aka Danger Mouse) dá as caras em cinco canções coescritas com o RHCP. Há toques de psicodelia, trip hop e electronica; marcas registradas do produtor que assinou, ao lado do italiano Daniele Luppi, um dos melhores álbuns dos últimos anos: "Rome", de 2011.
 
Se sob a batuta de Rick Rubin os Chili Peppers formataram a porralouquice de sua música, convertendo-a num híbrido acessível para o consumo das massas, e chegando inevitavelmente à exaustão, eles agora parecem dispostos a se reinventar. E "The Getaway" é um bom começo.


No gelado outono argentino, as amplas calçadas ficam cobertas de folhas. Pelas paredes de Villa Crespo, vê-se uma miríade de inscrições em estêncil com frases libertárias e o onipresente escudo do Club Atlético Atlanta.

Na alta madrugada, os chamados 'maxi kioskos' vendem guloseimas e bebidas através do vão das grades. Salões de sinuca e confeitarias também têm seus boêmios tradicionais, porque, a despeito do frio e da garoa, há sempre quem se disponha a encostar no balcão para engolir uma empanada ou tomar uma 'pinta' de chope Quilmes.

-- 26 DE MAIO --

O funcionário do hotel interfona para avisar que nosso amigo, Martín Berriolo, encostou seu VW branco e nos aguarda para partir. Em quinze minutos, estamos no Club Social Y Deportivo La Cultura Del Barrio. Descarregamos os instrumentos e uma mala repleta de material do Flicts.

Uma escadaria dá acesso ao primeiro andar, onde existem um bar e o espaço de shows. No segundo piso, funciona uma academia de boxe frequentada por garotos do bairro, punks e SHARPs. O Cultura Del Barrio, em sua primeira encarnação, tornou-se conhecido por reportagens em cadernos culturais e a fama atraiu indesejadas inspeções da prefeitura local. Desde então, e para fugir da burocracia, mudaram-se para a atual sede, cujo endereço não é divulgado sequer em cartazes de show. Quem conhece, conhece.

As bandas Scarponi e Aliento de Perro tocam para uma centena de pessoas e socializamos com  frequentadores do 'club' ao sabor da ótima cerveja Imperial. Falamos de punk rock argentino ("O Flema é a melhor banda daqui. Não, espere, pensando bem é a pior..."), futebol ("Somos todos Atlanta, orgulho de Villa Crespo. O estádio é logo ali!") e teorias conspiratórias ("Dizem que Hitler morreu em Bariloche, há fortes indícios. Menghele foi o médico pessoal dele, antes de fugir para o Brasil").

Vamos até o palco estender o 'backdrop' do Flicts e descobrimos a existência de um misterioso fosso com três metros de profundidade, autêntica armadilha. Diante dele, um Marshall descansa apoiado sobre engradados de cerveja.

Fãs empunhando garrafas de vidro e cigarros acesos juntam-se numa roda de pogo quando o Flicts começa a tocar. Arthur (guitarra e voz), Jeferson (baixo) e Rafael (bateria) interagem com o público em bom espanhol. Ao final do set, ouvem um singular pedido de bis: "E dale, dale, Flicts, ô, ô, ô! E dale, dale, Flicts, ô, ô, ô!". Sim, você sabe.

Os vinis, CDs e camisetas do grupo logo evaporam da banquinha. Entornamos os últimos goles de Imperial e, de lá, vamos terminar a noite no Gauchito, um boteco que funciona até o fim da madrugada e serve o maior sanduíche de bife à milanesa conhecido pelo homem.

-- 27 DE MAIO --

"O NOFX já fez um show secreto por aqui", revela um frequentador habitual do Salón Pueyrredon. "Havia tanta gente naquela noite que o público foi ocupando as escadas e chegou até a calçada!".

O lugar, situado na Avenida Santa Fé, em Palermo, é um casarão de charme decadente, mistura de alguma antiga casa de tango com saloon de faroeste. O público aparece ali para beber, ver shows, jogar dardos e comprar livros e discos na lojinha do Salón.

A noite de sexta-feira, com seis bandas e shows começando por volta das onze, promete ser interminável. Anuncia-se a formação de nuvens de fumaça -a lei anti-fumo não pegou na Argentina- e ouvidos zunindo até a manhã seguinte. Do jeito que gostamos.

O Acto Fallido é o segundo a se apresentar. Quarteto com duas guitarras que trazem boas tramas instrumentais, uma garota no contrabaixo e competente baterista. O vocalista, bonachão, toca o tempo todo metido numa capa de chuva amarela que parece saída do episódio do Pica-Pau nas Cataratas do Niágara. Já o As de Monos, que tocou logo em seguida, é formado por músicos cinquentões e algum ex-integrante de Los Violadores, lendário grupo argentino do final dos anos 70. Apresentam uma parede de guitarras repletas de 'feedback' e que remetem ao americano TAD e grupos desta seara. Ótima surpresa.

O Flicts foi a quarta de seis bandas na programação e fez um set inspirado. A versão em espanhol de "Latinoamérica", içada do EP "Sonhos Corrompidos", emplacou entre os hermanos. À certa altura, um fã mais exaltado torceu o tornozelo na roda de pogo e saiu dali diretamente para o pronto socorro. Punk rock.

A congelante madrugada se esticou entre magníficos chopes artesanais e conversas com malucos argentinos e uruguaios. Uma fã que vira o Flicts na véspera, no Cultura Del Barrio, aproximou-se com perguntas bem específicas sobre certas passagens das letras. Outro, cobrou enfaticamente a reedição em CD do clássico álbum "Canções de Batalha".

-- 28 DE MAIO --

Seguranças de walkie-talkie abrem espaço entre o público para entrarmos no clube. Mesmo embaixo de garoa, filas já se formam na porta da Groove. Expectativa de casa cheia. Lá dentro, técnicos de som e funcionários andam de um lado para o outro e a experiência em nada lembra a das noites anteriores.

A produção providencia camarim exclusivo para o Flicts e geladeira repleta de Quilmes. "Se quiserem, mandamos vir uma pizzas", oferece Chino Biscotti, baterista do Cadena Perpetua, banda local muitíssimo popular. Antes deles, toca o veterano Bulldog, outro grupo bastante conhecido. Juntas, as bandas arrastam grandes plateias em todo o país.

Recebemos nos bastidores a visita de Jão, guitarrista do Ratos de Porão, recém-chegado à Argentina para uma turnê de oito shows. Engatamos uma prosa, mas o funcionário da casa interrompe e anuncia: "cinco minutos!". O Flicts leva suas armas para o palco e, sob ótimas condições técnicas, faz um show bastante consistente. Certa parcela do público abraça o som do grupo e aplaude bastante após cada canção. Estes mesmos fãs cercariam a banda horas mais tarde, na saída da Groove, atrás de CDs e informações. "!Concha de tu hermana!", grita um deles, entusiasmado, afirmando reconhecer o verdadeiro punk rock quando o escuta.

Por questões práticas, declinamos o convite de Jão para encontrar o restante do RDP em um restaurante, noutra parte da cidade, e ir de lá para o show do Nervosa. Permanecemos na Groove e, do mezanino, vemos a pista e os camarotes lotarem completamente com cerca de 2.000 pessoas. A plateia canta fervorosamente cada música de Bulldog e Cadena Perpetua, bandas que migraram do punk para o pop radiofônico e amealharam legiões de fãs. De nossa parte, trabalhamos com afinco para esgotar a cota de Quilmes.

Em um concorrido camarim de rock stars, com constante entra e sai de fãs, comemos e bebemos ao lado de integrantes de Cadena, Bulldog e também do guitarrista Sam, ex-Historia Del Crimen e atual Motorama. Do lado de fora, sob nevoeiro e baixíssimas temperaturas, uma última rodada ainda nos aguardava em um bar de Villa Crespo.

Flicts no Cultura Del Barrio
La Cultura Del Barrio
La Cultura Del Barrio



Salón Pueyrredon

Flicts no Salón Pueyrredon
Groove Palermo

Flicts na Groove


Fotos: Eduardo Abreu | Caixa Preta Blog



As de Monos, melhor banda que conhecemos em BsAs. Sub Pop: olho neles!


Se você é de São Paulo ou Rio de Janeiro, não pode perder as apresentações da veterana e espetacular banda suíça The Young Gods ao lado dos heróis do manguebit, Nação Zumbi. Os grupos se apresentam em 22/05 na Virada Cultural, em 26/05 no Cine Jóia, e no dia seguinte, um sábado, no Circo Voador.

O evento ocorre como parte das comemorações de 20 anos do já clássico álbum "Afrociberdelia", de Chico Science & Nação Zumbi, e está sendo tratado como uma prévia do que os dois grupos apresentarão, juntos, na próxima edição do famoso Festival de Montreaux, na Suíça.

Difícil imaginar uma combinação de artistas mais criativa e original. Os suíços, liderados por Franz Treichler, são tratados como um dos pilares do que se convencionou chamar industrial music. Sua obra faz intersecções com grupos tão diversos quanto Einstürzende Neubauten, Coil, Ministry, U2 e Killing Joke. Mas não apenas. Sua formação inicial também era inusitada: não havia baixista ou guitarrista; apenas o cantor Franz Treichler, o baterista Frank Bagnoud e o sampleador/programador Cesare Pizzi.

A estreia dos Young Gods em estúdio, ocorrida em 1987, trouxe um amálgama de música eletrônica e rock pesado, que, à época, não encontrava paralelos. Mesmo com o repertório em francês, o importante jornal inglês Melody Maker conferiu ao álbum, homônimo, o prêmio de disco do ano.

Do segundo lançamento em diante, o trio suíço esteve mais longe ou mais perto do rock em diversas ocasiões. Em "L'Eau Rouge", de 1989, que saiu no Brasil, em vinil, pela extinta gravadora Stiletto, o grupo vai da melancolia à agressividade sonora, de climas soturnos à música de cabaré. No mesmo ano, partem para um projeto completamente diverso: "The Young Gods Play Kurt Weill", um disco inteiro dedicado a regravações do compositor alemão Kurt Weill, autor de música para câmara e orquestra, e parceiro de Bertold Brecht na famosa "A Ópera dos Três Vinténs".

Ainda antes que Chico Science & Nação Zumbi começassem sua revolução no pop brasileiro, os Young Gods chegaram ao quarto disco de estúdio, adotando, pela primeira vez, o inglês em material autoral. E é do álbum "T.V. Sky", de 1992, a canção mais conhecida do grupo. "Skin Flowers", a reboque de um vídeo-clipe, foi seguidamente exibida por Fabio Massari em seu programa Lado B, na MTV Brasil.

Mesmo assim, os Young Gods nunca deslancharam comercialmente. São uma banda bastante singular, com uma propensão ao estranho, e mais alinhada à cena artística europeia e ao avant garde. Em 1994, quase tocaram no Brasil pela primeira vez. Estavam escalados para o festival BHRIF, em Belo Horizonte, mas cancelaram sua participação depois que as bases do disco "Only Heaven" foram acidentalmente apagadas no estúdio. Foi essa, ao menos, a história que se contou à época.




Nesse mesmo período, Chico Science & Nação Zumbi começam a sacodir a música brasileira com sua mistura original e cosmopolita. Tambores com guitarras, riffs de metal com maracatu, pitadas de hip hop e raggamuffin', e letras que conectavam o rico imaginário nordestino ao futuro digital. A reportagem que apresentou o manguebit ao Brasil foi escrita pelo então VJ Gastão Moreira e publicada na revista Mixer. Ali, descobrimos a quantidade de bandas egressas do Recife e a efervescência de sua cena musical.

O primeiro lançamento de CSNZ, "Da Lama Ao Caos", foi editado pelo selo Chaos, da Sony, que apostava em novos grupos como Planet Hemp e Skank. O impacto foi enorme e Recife tornou-se, por algum momento, a equivalente brasileira de Seattle. Da capital fora do eixo saíram grupos como Mundo Livre S/A, Eddie, Jorge Cabeleira, Sheik Tosado e Devotos do Ódio.

"Afrociberdelia", de 1996, com seu CD em caixa translúcida cor de laranja e linguagem gráfica moderna, trouxe uma das canções mais marcantes do período. A releitura de "Maracatu Atômico", de Jorge Mautner, colocava o pop do Recife conectado ao que havia de mais descolado no planeta. A canção, não por acaso, tornou-se uma trilha marcante nos tempos gloriosos da MTV Brasil e, adequadamente, foi o último clipe exibido pela emissora, em 2013, antes de sair do ar.

Chico Science morreu no ano seguinte, em um acidente automobilístico, aos 30 anos de idade. O grupo seguiu sem ele e firmou-se como uma das grandes forças criativas do pop nacional. Os dois álbuns de CSNZ ganharam a chancela de medalhões da MPB e terminaram rapidamente içados à condição de clássicos. Em matéria especial da Rolling Stone, em 2007, ambos estão listados entre os 100 maiores da música brasileira. E não só: ocupam, respectivamente, a 13ª e a 18ª posições. Top 20, portanto.

Os Young Gods seguiram em frente e passearam pela ambient music, por frequências herdadas do trip hop e por viagens lisérgicas à moda dos anos 60. Encontraram, ao longo do caminho, uma alma gêmea capaz de compreender a singularidade de sua obra. Mike Patton, o prolífico vocalista do Faith No More, passou a editar os lançamentos do grupo nos EUA através de seu selo, Ipecac Records, e também apresentou-se ao vivo com eles. Em 2008, o trio veio finalmente ao Brasil e fez três apresentações históricas em São Paulo. Como nota curiosa, os shows deveriam alternar repertórios elétrico e acústico, mas, por limitações do SESC Pompeia, apenas os sets acústicos foram apresentados. Dizem que a banda ficou furiosa, mas, para o público, valeu -e muito- ter assistido à apresentação do belíssimo álbum "Knock On Wood". E é incrível como, ao vivo, mais até do que em estúdio, a voz de Franz Treichler se parece com a de Bono Vox!

Em 2016, você tem a chance de ver esse encontro nos palcos: The Young Gods e Nação Zumbi. Eu não perderia por nada. 

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Foi lançado há alguns dias, via Nuclear Blast, o álbum homônimo do Surgical Meth Machine, novo projeto de Al Jourgensen. Apesar dos rumores de sua aposentadoria, Uncle Al continua produzindo música com bastante frequência - lançou, de quatro anos pra cá, um disco de inéditas do Ministry e outro projeto, Buck Satan and The 666 Shooters, com o veteraníssimo Rick Nielsen, do Cheap Trick.

O disco do Surgical Meth Machine não é muito diferente de experiências sonoras já feitas por Jourgensen, especialmente com o próprio Ministry. Há muitas colagens, samplers, bateria eletrônica, barulho e uma ambiência apocalíptica bastante característica. É também um álbum debochado e que, nesse aspecto, lembra um pouco a irreverência do Revolting Cocks, outro de seus conhecidos projetos e que alcançou certa visibilidade pop com a escrachada regravação de "Do Ya Think I'm Sexy?", de Rod Stewart.

Na nova fornada de canções, se é que o termo se aplica, chama a atenção "I'm Invisible", faixa que encerra o disco. Nela, pode-se ouvir a voz limpa de Al Jourgensen, sem efeitos de estúdio, e que remete a um período perdido do Ministry. Quem conhece "With Simpathy", o primeiro trabalho do grupo, de 1983, sabe que nem sempre Uncle Al cantou de maneira cavernosa e com a voz soterrada por efeitos. Pelo contrário, o synthpop que ele hoje renega era música feita para rádios e pistas de dança; inspirada nas bandas inglesas da mesma vertente.

As mudanças na carreira desse cubano radicado nos EUA e nascido Alejandro Ramirez, dariam filme. Do já citado início, em que teve o luxo de arregimentar músicos top para sua banda de apoio e chegou a abrir um show para o Police na megaturnê do disco "Synchronicity", até as glórias do início dos anos 90, período em que o Ministry frequentou grandes festivais e teve clipes exibidos em alta rotação na MTV.

Al Jourgensen admite que o sucesso obtido na década de 1990, época que viu a última corrida do ouro das grandes gravadoras, teve lá seus efeitos. Se lambuzou com os orçamentos para entregar os discos do Ministry para a Sire -subsidiária da Warner- e caiu de cabeça numa vida de sexo, drogas e rock'n'roll sem limites e que remonta às histórias mais excêntricas dos anos 70. Usou todas as drogas conhecidas, de heroína a crack, e viu sua produção musical decair na mesma proporção.

Passou anos num vai e vem de lucidez, aparecendo em público em variados estados de sanidade e aspecto físico, e perdeu a colaboração do baixista e produtor Paul Barker, seu grande parceiro musical. O período que se seguiu, e que é conhecido como a fase de El Paso, dada a mudança de Jourgensen para o Texas, gerou discos que eram verdadeiros manifestos contra a administração George W. Bush. Dá pra dizer que Al ficou completamente obcecado pelo tema: em "Houses of the Molé" todas as faixas começam com a letra W e em "The Last Sucker" e "Rio Grande Blood", o ex-presidente republicano aparece nas capas em montagens bizarras.

O envelhecimento e a distância dos holofotes parecem ter levado Jourgensen a cultivar sua fama de louco e excêntrico como uma espécie de cartada final. Encheu o rosto de piercings subdermais, escreveu uma biografia em que conta histórias horripilantes sobre drogas e prostituição ("The Lost Gospels According to Al Jourgensen") e estrelou um documentário igualmente extremo e não indicado a espectadores mais sensíveis ("Fix: The Ministry Movie").

Em 2015, esteve no Brasil pela primeira vez em 35 anos de carreira e fez um show antológico com o Ministry. Trajando uma camisa com estampa de Che Guevara, promoveu um verdadeiro bombardeio sonoro no palco da Audio Club, em São Paulo, amplificado pelas projeções de imagens apocalípticas e anti-imperialistas. A repercussão do show foi tamanha que o Ministry terminou convidado a voltar ao Brasil no mesmo ano para apresentar-se no palco Sunset, do Rock in Rio.

Nas entrevistas de divulgação do novo trabalho, Uncle Al não comenta sobre a aposentadoria que vem adiando há tempos. Mas detona, com sua prosa divertida, o que sobrou da indústria fonográfica e brinca com o interesse da gravadora alemã Nuclear Blast: "Acham que vão ganhar dinheiro com essa velha carcaça". Por fim, revela, em outra excêntrica jogada de autopromoção, que a radiografia na capa do disco é de seu próprio rosto. De acordo com ele, os dentes implantados, incluindo aqueles de vampiro, foram resultado dos anos de abuso de drogas. "O crack e a heroína me deixaram banguela".


Para comemorar o Record Store Day, que acontece hoje, 16 de abril, recupero texto perdido de outra encarnação do Caixa Preta. Fica como homenagem a todas as lojas que mantêm viva a cultura do disco e também ao autor, Ronnie James Dio (1942-2010).


Ele está comigo há 30 anos. Perdido no meio de outros tantos LPs e ausente há bastante tempo do meu relativamente ativo toca-discos. E hoje resolvi dar-lhe uma chance. Enquanto a agulha desliza pelos sulcos do vinil, lembranças do ginásio e de toda uma época vão saindo do baú das memórias.

Meu primeiro disco foi adquirido com economias e trocados de viagens de ônibus, o famoso 5131-Praça da Sé, que me levava até o colégio. Já havia alguns anos que gostava de rock. Era refém dos poucos programas de clipes, o mais saudoso deles o Som Pop, da TV Cultura, que vez ou outra exibia filminhos de bandas de hard rock e heavy metal. Nada mais fascinante para um adolescente de 13 anos e que adorava o som de guitarras elétricas. Mas numa noite de domingo qualquer, foi o eterno programa Fantástico quem fez a surpresa: anunciaram para depois do intervalo um "musical" do ex-vocalista do Black Sabbath. À época, o departamento de jornalismo da emissora ainda não tinha aderido ao termo video-clipe, mas para mim não fazia diferença: a simples menção ao nome da banda sagrada fez meus olhos pularem das órbitas.

O locutor global anunciou "The Last in Line" como a ideia do cantor Ronnie James Dio sobre o fim do mundo e terminou o texto com uma tradução livre do título: "O Fim da Linha". O estrago estava feito. Imagens de um elevador que despenca até o inferno, a trilha musical recheada de riffs e solos faíscantes e toda aquela ideia de fim dos tempos me fascinaram. Lembre-se que era 1984 e existia ali um componente de rebeldia em relação à ordem das coisas. Para as FMs brasileiras, pré-Rock in Rio, a maior ousadia ainda era tocar coisas pavorosas como o grupo pop-rock Radio Taxi. E a TV, salvo o oásis do Som Pop, era ainda tão sem graça quanto hoje, embora com apenas cinco emissoras.

Da veiculação de "The Last in Line" no Fantástico até a compra do disco lá se foi quase um ano. Acumulei trocos da cantina do colégio e os somei às moedinhas que sobravam das viagens de ônibus, que eu normalmente pagava com passe escolar. O que faltava para adquirir o LP, provavelmente foi conquistado graças à eterna generosidade maternal.

Com o dinheiro contado, lá fui eu, a bordo do 5131, dessa vez até o ponto final, na Praça da Sé, atrás de meu primeiro disco. A loja escolhida foi a filial da Rua 7 de Abril da outrora importante rede Museu do Disco. Garimpei em cada casulo de vinil até me deparar com a capa em tons pastéis criada por Barry Jackson - o mesmo que assinara a arte do então recém-lançado "Afterburner", do ZZ Top. Naquele vinil estava não apenas a canção que iluminou um final de domingo qualquer, mas também, e principalmente, minha definitiva introdução aos prazeres do rock'n'roll.

Trinta anos depois, meu primeiro LP está girando no toca-discos. Orgulhoso, tenta disfarçar o efeito do tempo e deixa a agulha deslizar tranquila, sem reproduzir qualquer chiado, talvez na esperança de que seja tocado com mais frequência em minhas sessões nostálgicas.


O saudoso Ronnie James e seu guitarrista, o norte-irlandês Vivian Campbell, quebram tudo no clipe exibido para todo o Brasil em 1984

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PS: Caso esteja se perguntando, sim, a imagem que abre o 'post' é do meu próprio LP. Repare no encarte consertado com durex. :)
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Repercutiu hoje na Internet, de blogs a canais como o Noisey, da Vice, a agressão sofrida por uma fã durante show do conjunto pop-punk The Story So Far.

Aconteceu em Toronto, no Canadá, e o vídeo não é bonito de se ver (link no final do post). Em um rompante de imbecilidade e auto-indulgência, o vocalista Parker Cannon desferiu uma voadora nas costas de uma jovem que, sem qualquer noção de espaço, preparava-se para tirar uma 'selfie' sobre o palco. A solução do cantor, no entanto, extrapolou os limites do razoável e funcionou como uma estúpida demonstração de misoginia.

Impossível não lembrar como Ian MacKaye, cofundador do Minor Threat e artífice da cena straight edge, se comportava diante de inconvenientes durante os shows. Nas quatro ocasiões em que vi o Fugazi ao vivo, entre 1994 e 97, MacKaye interrompeu a apresentação em algum momento para encerrar a baderna de fãs em cima do palco. Dava um caprichado sermão e a banda logo emendava a canção de alerta "The Long Division".

Até hoje, não posso ouvir essa faixa do álbum "Steady Diet of Nothing", de 1991, e logo me recordo dessas ocorrências e da forma dura, mas educada, com que MacKaye resolvia suas questões. O palco para ele era sagrado e até mesmo o 'slam dancing', versão mais agressiva da roda de pogo, era censurado pelo grupo. O punk de Washington, DC não queria que prejudicassem o andamento dos shows e, muito menos, que ameaçassem a integridade física dos fãs mais pacatos.

Mas nem todo mundo é Ian MacKaye. E muitos têm seus momentos de Parker Cannon. Seria destempero? Comportamento irascível? Ou apenas um vacilo numa noite ruim?

Abaixo, três casos de punks norteamericanos que bateram em fãs diante da plateia. E só um deles tinha licença para isso.

>> BEN WEASEL (Screeching Weasel)

O líder da cultuada banda de Chicago não se satisfez em atacar apenas uma mulher durante show ocorrido no festival SXSW, em 2011 - bateu logo em duas! A primeira agressão teria ocorrido após uma integrante da plateia ter, repetidamente, espirrado um tipo de líquido no vocalista. A segunda, depois que outra mulher tentou intervir. A polêmica ganhou destaque na Spin e na Rolling Stone, e Ben "Weasel" Foster se explicou:

"Quero pedir desculpas adono do clube e à integrante do público (...). Ainda que suas ações estivessem fora do meu controle, a reação lamentável é minha total responsabilidade. Quaisquer que sejam minhas opiniões sobre fãs que ultrapassam os limites, eu gostaria de poder voltar atrás e lidar com aquilo da mesma forma com que fiz nos primeiros 60 minutos de show. Como não posso, um pedido de desculpas é tudo o que tenho e espero sinceramente que essas pessoas o aceitem (...). Como marido, pai e músico profissional, entendo que é meu dever assumir a responsabilidade de forma socialmente aceitável, e mais especialmente em face do confronto".

>> FAT MIKE (NOFX)

Durante um show realizado em Sidney, na Austrália, em 2014, o guitarrista e vocalista da famosa banda californiana NOFX perdeu a compostura. Fat Mike empurrou um fã identificado como Alexander Medak e desferiu um pontapé em seu rosto.

No dia seguinte, através do Twitter, Medak enviou uma mensagem para o músico juntamente com uma foto de seu lábio inchado. "Obrigado pelo nocaute, Mike. Não doeu muito. E desculpe por ter te assustado, mas os shows são um pouco diferentes por aqui".

Fat Mike respondeu: "Me desculpe também, Alex. Eu estava com uma dor terrível [no pescoço] durante toda a noite. Quando você me agarrou, eu reagi defensivamente... e ofensivamente. Se você for ao show na sexta-feira, te pago uma cerveja. Só não a jogue em mim".

>> GG ALLIN (GG Allin & The Murder Junkies)

Para o maior terrorista do rock'n'roll, bater em membros da plateia era o mínimo que podia acontecer durante os shows. O público que o acompanhava praticamente pedia por isso. Muitas vezes, Allin arrebentava a fuça de seus fãs. Em outras ocasiões, era espancando e terminava a noite sem dentes e com o braço engessado.

GG Allin, nascido Jesus Christ Allin, passou boa parte dos anos 80 e o comecinho dos 90 metido em confusões. Foi preso, violou a condicional, ficou amigo do serial killer John Wayne Gacy, o famoso "Palhaço Assassino", e terminou expulso de várias cidades e casas de shows. Bateu em fãs de ambos os sexos, sem preconceito, inclusive durante suas palestras niilistas.

O nativo de New Hampshire, que morreu de overdose em 1993, aos 36 anos, nunca pediu desculpas a ninguém. No entanto, uma de suas frases mais famosas pode servir de explicação:

"Minha mente é uma metralhadora, meu corpo são as balas e o público é o alvo".

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Park Cannon age como cafajeste em Toronto:



Ben Weasel apela para a baixaria em Austin:



Fat Mike perde o juízo em Sidney:


    GG Allin desce a porrada em todas as cidades
    (Material NÃO recomendado para leitores mais sensíveis).


    http://i1.wp.com/ampsandgreenscreens.com/wp-content/uploads/2015/04/CC3.jpg

    No último domingo, dia 10 de abril, revi, após mais de 20 anos, uma apresentação ao vivo de Max Cavalera. E o cenário não poderia ser mais diferente daquele em que conheci o Sepultura.

    Comparar um show atual do Soulfly com os eventos de metal dos anos 80 é exercício quase antropológico. Primeiro, porque o valor atual dos ingressos seria completamente inacessível para o público de 30 anos atrás. O país mudou e a audiência de Max Cavalera também. O bom público que foi prestigiá-lo no domingo era formado majoritariamente por fãs de meia idade. Bem diferente dos garotos rebeldes do passado e que tinham no metal extremo uma válvula de escape para as agruras da adolescência.

    Outra diferença que grita são as condições técnicas de ontem e hoje. A Audio Club, que recebeu o Soulfly, tem ótima infraestrutura. É possivelmente a melhor casa de shows da cidade desde o fechamento do Via Funchal, em 2012. Tem seguranças por todos os lados, sinalizando com laser aqueles que acendem um cigarro ou um baseado na escuridão. Cobram dez pratas por uma lata de cerveja e oferecem a infame opção de pista VIP, separando o público com uma cerca.

    Já o Sepultura, que vi nos primórdios, tocava com equipamentos baratos e em locais improvisados. Estive em um show do grupo pela primeira vez em 1987, ocasião em que lançavam seu ótimo álbum "Schizophrenia". A apresentação aconteceu nas modestas dependências do Sindicato dos Aeroviários de São Paulo; um prédio de três andares próximo ao Aeroporto de Congonhas. Era parte de um festival chamado "The World's Thrash", que teve outras tantas bandas importantes da época. Em determinada altura, acredite, o evento foi paralisado porque o chimbal da bateria desapareceu. Tinha ido parar, por engano, no meio dos equipamentos da banda punk WCHC.

    Em 2016, Max e seu Soulfly jogam como o craque veterano e acima do peso, o tipo que conhece os atalhos do campo e não precisa suar pra ganhar o jogo. É um tal de mandar a plateia pular, abrir a roda de pogo e bater palmas que não está no gibi. O líder da banda, ungido pela credibilidade do metal "old school", é venerado pelo público. Max pede, os fãs atendem. E sequer precisa tocar sua guitarra rítmica durante boa parte da apresentação.

    Em 1987, o Sepultura era ainda aquele jogador revelação, vindo dos campos esburacados da várzea e que tinha fome de bola. Chamava a atenção por ser melhor e mais habilidoso que seus pares. Em seus shows, não recorria a truques pra ganhar a torcida. Estavam afiados e confiantes, turbinados por um repertório com o frescor e a novidade da época.

    O público de metal atual já flexibilizou seus gostos musicais. Aceita, por exemplo, que Andreas Kisser toque em uma jam session com Junior Lima, o irmão da Sandy, ou que leve o Sepultura para se apresentar em um trio elétrico de carnaval. Na Audio Club, provou isso cantando junto o trechinho de "Polícia", dos Titãs, e o refrão de "Ponta de Lança Africano", de Jorge Ben Jor. Curtiu até uma espécie de reggae chapado, num dos melhores momentos do show.

    O público do passado, radical até o caroço, arrancaria a banda do palco a tapa se fizesse concessões parecidas. Basta dizer que, no citado festival, o Sepultura, assim que subiu ao palco, foi recebido com uma chuva de papel picado. Era o recado da ala mais purista e que já andava desconfiada com os cabelos tingidos dos irmãos Cavalera, suas bermudas floridas e a guinada para o thrash depois de despontarem como uma banda de death metal "from hell".

    Na saída do show do Soulfly, neste domingo, às 23:30, ouvi elogios duvidosos a respeito de Max Cavalera. Enquanto se dirigiam para buscar seus automóveis, fãs falavam do vocalista como um velhinho casca grossa. Estavam, suponho, a valorizá-lo pelos serviços prestados. E talvez, de maneira benevolente, a aceitar que tenha se tornado um animador de festas movidas a covers, citações, pout-porris e velhos clássicos do Sepultura.

    Em 1987, ao final do festival, com o chão do sindicato coberto por garrafas de cerveja e cacos de vidro, o público saiu para as ruas desertas da cidade como uma gangue egressa do filme "Warriors". Se espalharam pelas esquinas e pontos de ônibus abandonados às quatro horas da madrugada. Falavam de metal, das bandas mais obscuras e extremas que existiam. Alguns elogiavam a evolução do Sepultura. Outros, mais críticos e mordazes, lamentavam: "Estão ficando muito comerciais".

    Trinta anos mudam tudo.


    Em 2016, centenas de smartphones filmaram o show do Soulfly.
    Não há registro em vídeo do festival "The World's Thrash" (acima, pôster do evento).
                                                 




    Revendo as quase 100 colunas publicadas até hoje em Caixa Preta, não há qualquer texto sobre música brasileira. Nem unzinho sequer.

    Existem postagens esparsas sobre artistas nascidos no país, como Redson Pozzi, do Cólera, e Max Cavalera, do Sepultura e Soulfly, mas estes representam um tipo de música específico e que cabe em suas próprias prateleiras.

    Me refiro à música brasileira popular, aos ritmos regionais e ao pop com acento brazuca. Sobre isso, nunca escrevemos. Até agora.

    A partir de uma equação que mistura gosto pessoal, memória afetiva, importância histórica e diversidade, listamos abaixo as 50 canções brasileiras que não podem passar longe do radar.

    Quase não há rock, porque a ideia aqui é outra, mas valem canções de diversas épocas, gravadas por bandas ou artistas solo, e também ritmos estrangeiros que, de alguma forma, tenham se tropicalizado e sofrido influências da nossa cultura.

    Tem "guilty pleasures" de montão e polêmicas prontas. Mas não é uma lista criada com rigor científico e que precise ser levada muito a sério. As canções, bom lembrar, foram separadas por blocos, com base na época em que foram gravadas, no estilo ou na similaridade entre os intérpretes.

    Você pode adorar, detestar ou simplesmente ignorar. É do jogo.

    E para te acompanhar nessa aventura por quase 50 anos em 50 canções, criamos um playlist no Spotify e que está disponível no final do post.

    Às canções: 
    • As Rosas Não Falam - Cartola
    • Iracema - Adoniran Barbosa & Clara Nunes
    • Construção - Chico Buarque
    • O Estrangeiro - Caetano Veloso
    • Parabolicamará - Gilberto Gil
    • Asa Branca - Luiz Gonzaga
    • Wave - Antônio Carlos Jobim
    • Maria Fumaça - Banda Black Rio
    • Swinga Sambaby - Trio Mocotó
    • Rodésia - Tim Maia
    • Ponta de Lança Africano - Jorge Ben
    • Sociedade Alternativa - Raul Seixas
    • Nave Maria - Tom Zé
    • Acabou Chorare - Os Novos Baianos
    • Cavalo de Pau - Alceu Valença
    • Avôhai - Zé Ramalho
    • Canalha - Walter Franco
    • Nego Dito - Itamar Assumpção
    • Agora Só Falta Você - Rita Lee & Tutti Frutti
    • Não Me Venda Grilos (Por Direito) - Odair José
    • O Última Dia - Moska
    • Nostradamus - Eduardo Dussek
    • Será Que Eu Vou Virar Bolor? - Arnaldo Baptista
    • Minha Superstar - Erasmo Carlos
    • Menino do Rio - Baby Consuelo
    • Lindo Lago do Amor - Gonzaguinha
    • Ideologia - Cazuza
    • Fullgás - Marina Lima
    • Trac-Trac - Os Paralamas do Sucesso
    • Nomes Aos Bois - Titãs
    • Rua da Passagem (Trânsito) - Ney Matogrosso
    • Jorgea Corisco - Robson Jorge & Lincoln Olivetti
    • Tem Espaço na Van - Ed Motta
    • Hoje Eu Quero Sair Só - Lenine
    • Vem Dançar Com a Gente - Palavra Cantada
    • O Sol e a Lua - Pequeno Cidadão
    • Pelo Engarrafamento - Otto
    • Parafuso na Cabeça - Rogério Skylab
    • Fora de Si - Arnaldo Antunes
    • A Namorada - Carlinhos Brown
    • Já Sei Namorar - Tribalistas
    • Maracatu Atômico - Chico Science & Nação Zumbi
    • A Carne - Elza Soares
    • Homem na Estrada - Racionais MC's
    • Qual É - Marcelo D2
    • Cartão de Visita - Criolo
    • Sr. Tempo Bom - Thaíde & DJ Hum
    • Babylon By Gus - Black Alien
    • (Funk) Até o Caroço - BNegão & Seletores de Frequência
    • Tombei - Karol Conka feat. Tropkillas

    http://lamusicblog.com/wp-content/uploads/2013/01/Misfits_Vector_Wallpaper_by_LynchMob10_09.jpg

    Na segunda edição da série "Caixa Preta Entrevista", recupero uma entrevista que realizei com Jerry Only, co-fundador do Misfits, no ano de 2003. A conversa aconteceu no conservatório musical Souza Lima, em São Paulo.

    É uma de minhas prediletas. Conseguiu abranger vários aspectos da fase clássica do Misfits e contou com um bem humorado Jerry Only, muito disposto a responder sobre qualquer assunto. Há depoimentos reveladores sobre a passagem do Misfits pela Roadrunner, o encontro com a antiga musa dos filmes B Vampira, detalhes de gravação e muito mais. A entrevista foi publicada na revista Rock Press e agora você pode conferi-la na íntegra.


    Fale um pouco sobre o álbum Project 1950, que foi lançado pela formação atual.
    Jerry Only: O Project 1950 tem a intenção de mostrar aos jovens músicos que o rock’n’roll original e aquele do Ramones e Misfits, é o mesmo tipo de música. Matematicamente é a mesma coisa. Os acordes de “Donna”, do Richie Valens, são os mesmos de “Blitzkrieg Bop”. O fato de agora os pais poderem entender a música que seus filhos estão ouvindo e, acredite, eles estão roubando os CDs dos garotos para escutá-los, é uma coisa nova. Acho que foi uma ótima ideia. O disco tem a participação de grandes músicos também. É um grande álbum. Esse CD saiu pela Misfits Records.

    Alguma possibilidade de distribuição no Brasil? 
    Sim, sem dúvida. Isso deve acontecer em todos os países da América do Sul onde estivemos excursionando e o Brasil está incluído. Estivémos no Peru e devemos ser distribuídos no Chile também. Estamos sendo distribuídos pela Rykodisc (nos EUA) e se eles não atenderem o Brasil, faremos isso por conta própria. Mesmo que eu tiver de trazer os discos pra cá e vendê-los aos garotos.

    O que você e o Doyle fizeram entre 1983 e 1996, quando o Misfits esteve parado? Ouvi dizer que vocês tinham uma banda chamada Kryst the Conqueror.
    JO: Sim, nós tínhamos. Nós também projetamos e construímos guitarras, baterias e acessórios, como correias de guitarra e até rebites pra jaquetas. Algumas de nossas guitarras estão sendo fabricadas agora pela BC Rich. Durante aquele tempo, enquanto construíamos os instrumentos, compusemos um monte de riffs. O álbum é bem metal, bem Iron Maiden. Juntamos esses riffs que escrevemos e colocamos no álbum, então é mais um workshop de guitarra do que uma produção de fato. De qualquer forma, naquela época o Danzig estava no mercado e as pessoas acreditavam que ele fosse o Misfits. E o lance dele era bem satânico, por isso chamamos a banda de Kryst the Conqueror, para mostrar aos garotos que se o ponto de vista do Glenn Danzig era bem negativo, o nosso era positivo. Era mais uma declaração daquilo em que acreditávamos do que uma banda de verdade. Nós nunca tocamos ao vivo. Existem 48 faixas gravadas e a Misfits Records deve lançar esse material algum dia.

    Marky Ramone: (interrompe) E como ele sabia disso?
    JO: (rindo) Eu não faço ideia!

    Quando se pensa no Misfits, logo vem à mente a imagem do Crimson Ghost, que se tornou praticamente um ícone pop…
    JO: Com certeza!

    Quem teve a ideia de usá-lo como símbolo da banda?
    JO: No nosso primeiro disco, que gravamos quando tínhamos 18 anos, havia músicas como “Last Caress”, “Attitude”, “Teenagers From Mars” e por aí vai. Trata-se do álbum Static Age. Na época, Nova York era bem artística, bem avant garde. Todo mundo queria ser sombrio e sinistro, mas nada interessante de se ver. Então, fizemos um cartaz para o Max Kansas City (importante casa de shows da época) com a imagem do filme “Teenagers from Mars” (1) e realmente gostamos do jeito que ficou. Ainda usávamos o primeiro logo do Misfits, não o atual. Nós olhamos para aquilo e dissemos: “Uau! Tem tudo a ver com a gente!”. Porque todos nós gostávamos de filmes de terror, de monstros, então nos habituamos com a imagem do Crimson Ghost. Desde aquele dia, ela ficou associada a nós. Fizemos camisetas e coisas assim. Nas convenções de camisetas, você tem os Stones, Jimi Hendrix, Pink Floyd, Jim Morrison e aquela caveira (Crimson Ghost) como as mais vendidas, então, enquanto imagem, nos tornamos ícones pop. Aquela imagem pode ser vista nas ruas de todo o planeta. É uma grande honra para nós. O mais interessante é que não há outra identificação (além da caveira) e as pessoas já sabem o que significa. Me faz sentir que criamos uma coisa muito grande. Como o “S” do Superman, sabe?

    É verdade. E vocês registraram a imagem depois que ela ficou associada a vocês?
    JO: Sim. Nós fizemos a ilustração a traço e patenteamos tudo. Mas liberamos para artistas usarem de graça. E para pessoas como, por exemplo, o medalhista de prata (nas olimpíadas de inverno 2002) Danny Kass, que usou a imagem da caveira em seu snowboard e em suas roupas. Nós cedemos para algumas pessoas que nos solicitam. Não patenteamos para ter lucro e sim, por proteção.

    Já que falamos do personagem Crimson Ghost, gostaria que você nos contasse como foram seus encontros com as celebridades dos filmes de terror. Nos anos 80, o Misfits posou para fotos com a musa dos filmes B Vampira e nos 90, teve um clipe dirigido pelo lendário cineasta George A. Romero.
    JO: A Vampira tem uma história muito triste. Ela foi namorada do James Dean. Pouca gente sabe disso, mas quando James Dean morreu, Vampira era namorada dele. Ela teve uma passagem muito breve por Hollywood. Depois disso, ela esteve na batalha por muitos anos. Em 1983, quando saiu o álbum Walk Among Us, nós fizemos uma sessão de autógrafos na Vinyl Fetish (tradicional loja de discos de Los Angeles). Aí eu perguntei para um sujeito: “Hey, você que é daqui, sabe mora a Vampira?”. Ele disse: “Por incrível que pareça, ela vive a três quadras dessa loja!”. E ela morava numa casa pequena e caindo aos pedaços. Realmente precisava de uma reforma. Fomos até lá e, pela janela, vimos alguém se movendo. Como ninguém atendia a campainha, escrevemos um bilhete e colocamos na janelinha por cima da porta: “Estamos dando autógrafos hoje na loja tal. Por favor, venha nos ver. Fizemos uma música para você”. Mais tarde naquele dia, ela apareceu na sessão de autógrafos com suas unhas postiças e tudo. Foi uma grande honra. Com relação a George Romero, nós queríamos que ele dirigisse nosso vídeo (da música “Scream!”) e ele jamais tinha dirigido um clipe de rock antes, então ele veio a mim e disse: “Que coincidência! Estou precisando de uma banda para o meu novo filme (“Bruiser”, 2000). Se vocês participarem do filme, eu dirijo o vídeo de vocês”. Foi o que aconteceu. Inclusive meus filhos e alguns amigos acabaram aparecendo no clipe. Trabalhar com George Romero é incrível. Já tínhamos participado de filmes antes e normalmente você chega no set de gravação às 6 da manhã e nada acontece até à meia-noite. Você fica andando pra lá e pra cá sem fazer nada. George, ao contrário, trabalha como uma metralhadora: “Filme isso, filme aquilo”. E eu pensava assim: “Mas esse cara está maluco? Pra quê ele vai precisar disso?”. Mas quando você vê o filme pronto, de repente aquilo tudo faz sentido. É incrível o jeito como ele trabalha. Eu tenho o maior respeito por George Romero. “A Noite dos Mortos Vivos” foi feito com apenas 100 mil dólares e é um dos filmes de terror mais assustadores já realizados. Não se discute. E ele conseguiu isso com apenas 100  mil dólares que arranjou emprestado com alguém... Isso nos mostra que hoje em dia temos coisas como “Star Wars”, que custam 50 milhões de dólares para ser feitas e nem sequer chegam perto. Ou seja, o importante não é o quanto você tem para gastar e sim, quão grande é a sua visão. Acho que, com nossa banda, atingimos isso também, porque agora temos nosso próprio selo e não é porque quiséssemos ter um, mas estávamos numa gravadora que não fazia as coisas direito (está se referindo à Roadrunner). O Misfits ainda está bem vivo, mas nenhuma gravadora estava fazendo nada por nós e agora estamos indo muito bem com muito pouco.

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    Gerald Caiafa (Jerry Only)

    Quando você foi entrevistado pela MaximumRocknRoll em 1996, tinha acabado de ganhar na justiça os direitos do nome Misfits. Na época, você dizia que seu plano para o futuro da banda era fazer tudo de forma independente, mas vocês acabaram assinando com a Geffen e depois com a Roadrunner. Por que?
    JO: Vou te dizer o porquê. Naquele tempo, a Geffen era uma grande gravadora. Eles tinham Guns N' Roses e White Zombie. Ambas as bandas estavam sentadas em casa sem fazer nada. Na minha opinião, eles tinham essa máquina de rock’n’roll e ela estava ociosa. Eu pensei em deixar o Misfits numa companhia como a Geffen, que tinha todos os recursos para acelerar o processo e levar nosso material até os garotos. No meu modo de ver, era uma forma de abreviar as coisas para chegar até onde eu queria. Mas o que aconteceu com a Geffen, com todo respeito ao Rob Zombie, é que eles se apropriaram de todas as ideias do Misfits e as colocaram no álbum Hellbilly Deluxe. Até mesmo o artista que pintou a capa. O Rob Zombie me ligou pedindo o número dele e é o cara que fez nossa capa também! O lance é que minhas ideias estavam certas, porque ele vendeu de 1,5 a 2 milhões de discos e deveríamos ter sido nós, porque American Psycho é melhor que o álbum dele. Desculpe, mas é um fato. E a Geffen queria saber o que eu achava, quais eram meus conceitos. Eles pegaram todas essas informações e se saíram muito bem com elas. Então decidimos que estávamos fora. Fomos para a Roadrunner Records e na época eu estava tendo problemas com nosso vocalista e baterista. Eles só estavam enrolando erva e não faziam o que deveria ser feito, eram muito preguiçosos. E tínhamos chegado num ponto em que precisávamos lançar um novo disco. Ou eu tirava 100 mil dólares do bolso para gravar o álbum ou a Roadrunner o financiava. Pensei: “O que eu faço? Nem sei se esses caras (Michale Graves e Dr. Chud) vão continuar na banda e realmente não tenho toda essa grana. Se não der certo, tudo vai cair em cima de mim”. E a Roadrunner me contactou para fazermos o disco. Naquela época eles tinham o Type O Negative, Slipknot, bandas que estavam na nossa praia, não que fossem iguais a nós, mas parecidas. Assim eu pensei que, por saberem quem éramos, nós poderíamos fazer nosso trabalho em paz. A Roadrunner antecipou 200 mil dólares e usamos tudo na gravação do álbum. Tudo. E depois disso eles não fizeram absolutamente nada…Não fizeram nada de nada! Nem um anúncio sequer!! Nada mesmo! O que aconteceu foi que 150 mil fãs do Misfits compraram o CD e eles (Roadrunner) ainda me diziam que eu lhes devia dinheiro! Ele ganharam, deixa eu ver, com 150 mil CDs, pelo menos 1 milhão de dólares. E me anteciparam 200 mil. Quando me perguntaram sobre gravar outro álbum, eu respondi: “Vou dizer uma coisa: eu antecipo 200 mil dólares, vocês gravam um CD, eu ganho 1 milhão e depois ainda cobro de volta. O que vocês acham?”.Se passaram uns dois anos até eles perceberem que eu tinha razão. Eu disse a eles: “Estou tocando com o Marky e com o Dez agora. O Ramones tem umas 250 músicas, o Misfits umas 60, o Black Flag mais umas 60. Ou seja, um repertório de 400 músicas para escolher e tocar todas as noites! Eu não preciso de um álbum”. Um ano depois eles vieram até mim e disseram para esquecermos tudo (refere-se à suposta dívida). Então eu peguei todas as minhas gravações antigas com Michale Graves e Chud e fiz um pacote chamado Cuts from the Crypt. Demos a eles todas as sobras de estúdio e eles ficaram com um disco novo de graça, só para sairmos de lá e darmos aos garotos mais música. Isso evitou pirataria, deu aos fãs a chance de ter um outro álbum do Misfits, me permitiu sair da Roadrunner e não precisar contratar advogados outra vez pra sair de uma situação ruim (menciona isso por causa da briga na justiça com Glenn Danzig). Eu não quero passar minha vida envolvido com advogados ou em tribunais. Isso não é música pra mim. Música é poder dar uma entrevista como essa ou sair pra tocar para os garotos. Depois disso tudo, eu jurei que por melhor que fosse a proposta, eu não assinaria com uma gravadora de novo. Na verdade, eu tive uma oferta que no papel era muito boa, poderia ter funcionado, mas… Estou escrevendo um livro já faz 3 anos e fala sobre sobreviver nesse ramo sem ter que confiar em gravadoras, promotores de shows, etc. O mais importante é você perceber que qualquer coisa que te ofereçam, eles podem não dar a você depois. E aí sim você estará encrencado! Foi isso o que aconteceu conosco. Agora com a Misfits Records, com o CD Project 1950, estamos indo muito bem. O disco entrou no posto mais alto das paradas que o Misfits jamais esteve (o CD estreou em 2º lugar na parada independente da Billboard). Temos até Ronnie Spector no disco, aquela de “Be my Baby”. Não sei se você a conhece, mas é uma deusa do rock! Enfim, estamos muito felizes agora. Quando perdemos Joey e Dee Dee Ramone, eu percebi que o tanto de dinheiro que você ganha não é importante. O que importa é o quanto de…eu até diria “amor”, mas ficaria meio veadinho (risos). O que vale é o quanto você significa para as pessoas e não quantos discos de ouro você tem na parede. Tenho orgulho de poder mostrar para as pessoas que sobrevivemos com nossa música, que essa banda ainda está viva, apesar da Geffen e da Roadrunner Records. Temos nosso próprio selo agora e o Fiend Fest, nos EUA. Estou realizando todos os sonhos, ainda que eu tenha que ir trabalhar todos os dias. Prefiro ter um emprego e ser feliz, do que morar numa mansão e ser infeliz. Encontrei com a Alanis Morrisette no aeroporto ontem e perguntei: “Você ainda está no selo da Madonna, a Maverick Records?”. Ela disse que sim, mas que não tinha muitas opções. Perguntou em qual gravadora estávamos e eu respondi que éramos independentes agora. Alanis comentou: “Foi uma decisão inteligente!”. Acho que isso resume bem a história.

    Ainda falando sobre gravadoras, por que o CD Walk Among Us não fez parte do box-set lançado pela Caroline em 1996? Eu sei que você não estava diretamente envolvido, mas saberia explicar?
    JO: Bem, eu estive envolvido com o projeto, mas não oficialmente (sorri). Walk Among Us pertence ao catálogo da Warner Brothers, por isso não saiu na caixa. Ainda assim, bastava um telefonema da Caroline e eu acho que teriam consigo uma permissão, um acordo. Mas nem para pegar o telefone e fazer isso! Eu pretendo adquirir os direitos do Walk Among Us algum dia, porque esse disco está esquecido no catálogo da Warner. Eu sou pago ocasionalmente pelas vendas do álbum e percebo que o disco está vendendo bem menos do que deveria. E esse álbum é um clássico, o melhor do Misfits!

    Você não acha que Static Age é a obra-prima do Misfits?
    JO: É, o Static Age… Mas a razão pela qual eu gosto mais do Walk Among Us é porque no primeiro álbum nossa imagem ainda estava muito associada ao conceito de “Teenagers from Mars”. Em Walk Among Us tinha todo o visual e o som. “Halloween”, “Vampira”, “Hell Breaks Loose”, que tal isso? Esse disco personificou a imagem, a sensação e a atitude, entende? O pacote completo. Static Age é genial, mas estava apenas esboçando nossa identidade. Mas você está certo sobre esse álbum. Nós o gravamos em 1978 e eu tinha acabado de fazer 18 anos. O disco ficou no armário por 18 anos, até que a Caroline o lançou (primeiro no box-set, depois individualmente). Quando eu o ouvi de novo, até chorei. Eu pensei: “Não acredito que gravamos isso há 18 anos! Esse álbum é o máximo!!”. Tem “Last Caress” e “Attitude”. O Metallica gravou uma delas e o Guns N' Roses gravou a outra. Só canções clássicas (empolga-se): “Hybrid Moments”, “Some Kind of Hate”…  

    “Theme for a Jackal”…
    Sim, “Theme for a Jackal”! Glenn chegou pra mim e disse: “Ouça esse poema: ‘Dry drink on a corner..’”. E eu perguntei: “Que tipo de música você quer pra isso?”. Ele disse que queria algo em Si. Aí eu escrevi aquele pedaço (canta a melodia) e o repetimos pelo resto da música.

     Essa música é um bom exemplo de como você escreveram coisas bem diferentes durante a carreira. Punk rock, metal, rockabilly… 
     Eu sei. “American Nightmare” (cita essa faixa porque é um rockabilly típico) é uma das melhores canções do mundo e nós só a tocamos uma única vez! Veja só, estávamos no estúdio e Glenn disse: “Eu tive uma ideia para um rockabilly”. Pedi que ele a mostrasse pra mim e então, pelo vidro na sala de gravação, eu gritei: “Googy, me siga. Quando eu tocar, você me acompanha” (refere-se ao baterista Arthur Googy). Gravamos os 90 segundos da música numa tacada só e nunca mais a tocamos outra vez! Pra mim, foi um daqueles momentos de genialidade criativa. Nós somos assim e é isso o que fazemos. Ouvi histórias dos Beatles, quando eles estavam fazendo o filme “A Hard Day’s Night”, e pediam uma música pra eles. Eles iam pra casa à noite e voltavam de manhã com uma canção como “A Hard Day’s Night” (cantarola o refrão da música). Não estou dizendo que éramos tão talentosos assim, mas éramos as pessoas certas, na hora certa e querendo, querendo muito fazer tudo aquilo! É por isso que eu acho que as gravadoras desperdiçam tanta coisa. Eles não queriam colocar “Helena” no American Psycho. “Ah, não gostamos dessa música, é muito metal” (imita a voz de algum executivo de gravadora). Muito metal?! Aí o Doyle apareceu na reunião seguinte com um taco de baseball e disse: “Vamos colocar aquela música no disco ou não?” (gargalhadas)

    O que o Doyle anda fazendo atualmente? Por que ele não quis participar do Misfits M25?
    JO: Doyle está bem. Ele participou do M25 no começo, mas aí se divorciou, casou-se novamente e teve uma filha. Agora ele está ajudando meu pai nos negócios, porque ele anda meio doente, mas deve ser operado em breve e aí ficará tudo bem. Eu vejo o Doyle todos os dias, inclusive foi ele quem me levou ao aeroporto quando vim para cá. Olha, Doyle sempre fará parte do Misfits. Inclusive estamos começando a escrever um novo álbum juntos. É que o Misfits M25 me deu a oportunidade de pôr em prática meu projeto anos 50 e o Marky e o Dez estão muito envolvidos nisso.

    Uma coisa que me impressiona no material que vocês lançaram entre 1977 e 1981 é a gravação e o timbre dos instrumentos. A sonoridade que vocês conseguiram naquela época é muito peculiar. 
    JO: É verdade. Muita gente também gosta das gravações originais. A razão disso é que, à época, não tínhamos um grande orçamento e fazíamos o que dava com o que estava à disposição. Gravávamos 4 ou 5 músicas num dia e voltávamos mais tarde para mixar. Naquele tempo, muito do material era gravado em 16 canais e isso dava um pouco mais de dinamismo do que gravar em 24, porque nesse caso os canais estão mais próximos. Eu gosto muito das gravações originais, mas eu sempre esperei mais do som, algo mais encorpado, mais pesado. Mas agora ouvimos bandas como Slayer ou Pantera e não sabemos se era por aí que deveríamos ter seguido, sacou? Eu fiquei muito satisfeito com o American Psycho e também com o Famous Monsters. Cada disco tem sua própria identidade. Quem sabe a gente não volte com o Glenn (Danzig) e acabe escrevendo material novo…

    Você antecipou uma pergunta que eu faria, que é justamente sobre a possibilidade do Misfits voltar com o Danzig. Como é a relação entre vocês hoje em dia?
    JO: Olha, ele está na batalha. Pra ser sincero, a carreira dele está numa encruzilhada. Ele ainda está com a cabeça naquele lance death metal anos 80 e quem se importa com isso hoje em dia? Ninguém está nem aí. É uma situação delicada, porque ele precisa amadurecer como indíviduo, para chegar e perceber que tivemos bandas como Beatles, Ramones, Clash, enfim, pessoas que já se foram. Essas nunca voltarão. E para ser honesto com você, não se fez muita na música desde então. Dá para contar nos dedos de uma mão as grandes bandas que surgiram desde aquela época. Nunca mais apareceu algo que realmente me nocauteasse, para o qual eu dissesse: “Uau!! Isso é fantástico!”. Eu gosto do primeiro disco do Slipknot, achei muito bom. Já o segundo álbum deles não é tão intenso quanto o  primeiro. Sem querer ser desrespeitoso com eles, claro. O que quero dizer é que, em muitos casos, uma banda tem a vida toda para gravar o primeiro disco, para concebê-lo, sabe? Depois disso, você está na estrada, está tocando…é difícil voltar. Chamam isso de “a maldição do segundo ano”. O segundo álbum é escrito em quartos de hotel, aeroportos… Enfim, é aí que temos que entender como é bom fazer as coisas a seu tempo, juntar material e trabalhar em grupo. Era assim que fazíamos com Glenn no início. Nossas canções eram ótimas porque todos nós tínhamos ideias. Como o começo de “Return of the Fly” ou “Astro Zombies”. Eu compus aquilo. Glenn não compôs tudo como dizem, mas eu não me importo. O importante é que essa obra exista! Quando voltamos com Graves, Chud e Doyle, para gravar o American Psycho, nós ensaiamos durante 6 meses, por 4 ou 5 horas diariamente. Tentamos escrever músicas melhores e tínhamos 50 delas para selecionar só 18. Ou seja, quase como se tivéssemos que escolher uma música entre cada três. Isso te dá uma grande variedade e grandes opções também. Às vezes pegávamos parte de uma música e juntávamos com o final de outra. “Helena” (do CD Famous Monsters) é uma delas! São 3 músicas diferentes que se tornaram uma só. Quando juntamos foi como mágica! O lance é que composição deve ser coletiva, todos podem ter ideias. Foi isso que o Glenn perdeu quando começou com seus projetos Samhain e Danzig. Ele fazia tudo sozinho.

    Não sei se você respondeu exatamente a pergunta, mas…
    JO: OK, vamos lá… Veja o que aconteceu como o Marky (Ramone), por exemplo. Quando o vi ao vivo pela primeira vez, pensei: “Temos que ter esse cara na banda”. O lance é que, estando no Ramones, não dava para chamá-lo. Mas tudo tem seu tempo e razão de ser. Eu tive que passar por toda a merda que eu passei para tornar-me quem eu sou hoje, para ser uma inspiração para os garotos. Você tem que estar convicto para ficar limpo. E o Marky tinha que estar com o Ramones. Quer dizer, a gente tem que ter paciência e entender que Deus tem sua maneira de fazer as coisas. O mesmo se aplica à Glenn. Nós o teremos de volta. Eu te garanto isso! Quando é que é a questão, mas isso não importa. Pode ser daqui a 5 ou 10 anos, mas não interessa, porque estarei aqui e estarei preparado. A melhor coisa que me aconteceu foi que Doyle precisou de um tempo e eu tive que assumir os vocais quando o Graves saiu fora. Minha habilidade técnica foi daqui (gesticula) lá pra cima. Agora estou fazendo o vocal principal! Eu posso não ser um Elvis ou um Pavarotti, mas agora que estou cantando todas as noites com esses caras (Dez e Marky), eu serei o melhor músico número 2 desse ramo. Ou seja, o melhor baixista que faz vocais. Então, quando chegar a hora de voltarmos (com Danzig), estaremos melhores que se tivéssemos ficado juntos na banda a vida toda. Estou muito satisfeito agora. Eu estou trabalhando na minha performance, no meu vocal e na minha condição física. Espero que “esse Misfits” seja o melhor possível. E acho que os garotos estão gostando.  

    Parece que você não gosta muito da banda Danzig. Mas o Samhain até que gravou algumas coisas que lembram um pouco o Misfits, não?
    JO: Sim, mas ainda é meio bluesy. Tipo aqueles “dam, dam, dam, dam” (inventa uma melodia). Não é ruim, sabe? Mas não se pode comparar com o que fizemos. “Teenagers from Mars” ou “I Turned into a Martian” são hinos! A mesma coisa quando você ouve “Rock’n’Roll Radio” ou “Teenage Lobotomy” do Ramones. São hinos também.



    Você acha que o Earth A.D. ajudou a delinear a sonoridade do thrash metal?
    JO: Bem, o disco Earth A.D. foi a pedra fundamental para o death metal, thrash metal e outros. Mas nós não inventamos aquilo! O thrash veio do Necros e do Negative Approach. Essas bandas abriam pra nós e eram todas da região de Washington DC, sabe? Só que tocavam assim… muito thrash. Nós pensamos: “Se liga só nisso?!”. Não havia melodia por cima daquilo, era só gritaria. Mas essas bandas, as bandas que uivam, sim as que só sabem uivar, são boas, mas só se você as vir ao vivo. Tirando isso, ninguém vai dar um rato morto por essas bandas! As pessoas vão se lembrar dos Beatles, Ramones e de nós. Porque nós pegamos “Green Hell” e colocamos uma melodia por cima. Fizemos isso com “Death Comes Ripping” também. Dá pra cantar “Death Comes Ripping” no chuveiro! Isso sim é música. Caso o contrário, por que precisaríamos de guitarras? (gargalhadas)

    O que você acha que teriam gravado depois do Earth A.D. se a banda não tivesse acabado?
    JO: Esse é o problema com o Earth A.D.. Era muito à frente do tempo! A gente não sabia por onde seguir e a tensão era grande na banda, porque nós havíamos nos superado, tínhamos chegado a um ponto onde não sabíamos mais o que fazer. Foi aí que começamos a discutir. A versão de “Mommy” nem tem letra, é só “da-da-da-da” (imita a melodia). Metade das músicas daquele disco nem tinha letra! A gente não sabia como encaixar as palavras. Era mais do que poderíamos fazer. E aí a banda acabou. Hoje você vê que aquele álbum talvez estivesse uns 20 anos à frente do tempo. Se um dia voltarmos (com Glenn Danzig), gostaria de gravar um Earth A.D. parte 2, usando bateria com dois bumbos e tudo. Digo isso porque o maior avanço tecnológico desde Earth A.D. foi o jeito como se grava e se toca bateria. Guitarristas e baixistas nunca mais fizeram nada de especial, vocalistas são vocalistas, mas o jeito como se toca bateria chegou a níveis extremos. Gostaria de incorporar isso num disco do Misfts, porém com melodia. Imagine um Slipknot com melodia.

    Que tipo de música você ouve em casa?
    JO: Eu trabalho o tempo todo, então não ouço qualquer coisa. Exceto a banda do meu filho, que eu “tenho” que escutar (risos). Não sobra mesmo muito tempo, porque tenho meu trabalho. E isso me me ajuda a…como posso dizer? Me ajuda a não sofrer a influência dessa vida de rock’n’roll, sabe?  Quando volto pra casa depois de excursionar, não quero trazer isso na bagagem. Toda vez que passo um mês em turnê, volto e tenho dois meses de problemas pra resolver! De certa forma, isso (não ouvir tanta música em casa) me mantém puro. Me sinto bem assim.

    Dez Cadena (interrompe): Pode parecer estranho, mas eu ouço de tudo. De punk rock a clássico, jazz e música pop. Depende do momento. Gosto muito de poder ver uma banda ao vivo. Se eu puder assistir a uma banda antes de subirmos no palco, é o que eu mais gosto. Venho de uma família musical, meu pai produzia discos de jazz, então cresci com música ao meu redor. Ele (Jerry Only) não vai levar em consideração qualquer música, porque trabalha numa oficina com máquinas, na parte de vendas, e com pessoas que não ouvem música…

    JO: Calma lá, calma lá!… (gargalhadas) Eu me lembro que David Bowie era amigo do Lou Reed, do Velvet Underground, e o convenceu a assinar um contrato com a RCA e Lou acabou ficando bem insatisfeito com isso. Quando faltavam dois álbuns para terminar o contrato, ele gravou um disco chamado Metal Machine Music e esse é o pior álbum de todos. É só “beep!”, “poing!”, barulho o tempo inteiro (risos). E o disco é duplo, com os quatro lados assim!! Então ele disse: “Aí está! Já terminei o contrato!”. Essa música ainda está na minha mente! Quando eu era garoto, tinha uma loja na qual, por 1 centavo de dólar, você ficava sócio e ganhava 10 discos. E eu vi esse e pensei: “Oh, Lou Reed!”. Quando cheguei em casa e ouvi o disco, disse: “Que porra é essa?!”. Então eu percebi que máquinas podem ser música… (brinca com o fato de trabalhar com o barulho de máquinas). Talvez tenha sido só uma experiência ruim. Desculpe, Dez (risos).

    Qual foi o presente mais bizarro que você já ganhou de um fã?
    JO: Um crânio de bebê! Era do tamanho de um limão ou menor. Isso foi na época em que morávamos em Lodi (New Jersey). Tínhamos uma caixa com as coisas que os fãs nos mandavam pelo correio. Uma vez alguém me mandou ossos de mão! Ah, e Tesco, do Meatmen, me enviou uma tarântula morta. Cheirava muito mal! Quando abri o pacote, pensei: “Meu Deus, que coisa é essa?!”. E era uma aranha morta. Esvaziei uma caixa com os EPs de Night of the Living Dead, coloquei a aranha lá dentro e a cobri com um spray. Mesmo assim, aquilo continuou cheirando mal por todo o dia! (risos)

    Jerry, responda rápido: quais são as 5 músicas do Misfits que você mais gosta e seus 5 filmes de terror prediletos?
    JO: OK, as 5 músicas são: “Astro Zombies”, “American Nightmare”, “American Psycho”, “Last Caress” e “We Are 138”. Os 5 filmes são, vejamos, “The Bride of Dracula (“A Noiva do Drácula”, 1974), “The Wolf Man” (“O Lobisomem”, 1941), “The Phantom of the Opera” (“O Fantasma da Ópera”, 1943) e eu adoro “The Thing” (“O Enigma de Outro Mundo”, 1982), de John Carpenter! Me lembro que fomos ao cinema ver esse filme junto com os caras do Necros, então era aquele bando todo comendo pipoca e dizendo: “Você viu isso? Você viu aquilo?” (risos). Eu gosto de coisas originais e que são feitas de um jeito a tornarem-se chocantes.

    O Misfits já teve material desenhado por gente como Dave McKean, da série de quadrinhos Sandman, o cultuado ilustrador Pushead e até Butch Lukic, do desenho animado Batman, da Warner. Se você pudesse escolher algum artista, vivo ou morto, para desenhar a próxima capa do Misfits, quem seria?
    JO: Talvez seria o Boris Vallejo (2), mas a Roadrunner conseguiu estragar isso também. Nós até pagamos pelo trabalho dele e a ilustração seria o Doyle segurando o Sable, do WWF (3), atrás do fogo e uns macacos saindo das chamas com a Estátua da Liberdade ao fundo! Ele até me mandou um esboço, mas a Roadrunner foi um tremendo pé no saco e ele me ligou dizendo que não trabalharia mais pra eles. Eu até compraria a pintura, mas mesmo assim ele não quis fazer. Então tive que pegar um outro artista. Há outro cara que eu gosto, e acho que ele fez a pintura de Dorian Gray no filme “O Retrato de Dorian Gray”, mas não lembro seu nome agora (4). Vi algumas obras dele num museu de arte em Chicago. Sabe que eu estou escrevendo um livro e tive uma ideia para a capa: meu rosto, metade esqueleto e metade “humano”. Um dia desses no Hard Rock Café, da Cidade do México, um rapaz veio até mim e me deu uma pintura. Quando eu olhei, logo disse: “Meu Deus, era exatamente isso que eu tinha em mente para a capa do meu livro! Posso usá-la?”. E ele disse que sim, gostou da ideia que capa do meu livro fosse creditada a um desenhista mexicano.

    Qual é a importância do merchandise para vocês? Isso ajuda que vocês vivam da banda?
    JO: É o único de jeito de conseguirmos isso. Se vendermos 200 mil discos, tudo bem, mas a questão é que não vimos o dinheiro da Geffen ou da Roadrunner por vender discos. Ganhamos algum dinheiro da Caroline, mas não é muito. Provavelmente equivale a um salário comum. Minha filha estuda numa faculdade em Boston que custa mil dólares por semana! E isso é mais do que eu ganho no meu emprego, então se eu não tivesse o merchandise… Veja só, o Project 1950 foi gravado com dinheiro de merchandise.

    Quanto items vocês já licenciaram com a marca Misfits? Me parece que entre as bandas, digamos, alternativas, ninguém chega perto de vocês nesse quesito.
    JO: É verdade. O KISS provavelmente vende mais em volume, mas nós fazemos as coisas com um padrão de qualidade tão elevado e com ideias tão incríveis! Nossas miniaturas foram escolhidas como os action figures do ano, ainda que tenhamos até perdido dinheiro nisso. Tento fazer tudo com um nível que os outros apenas almejam como objetivo. Nossos bonecos, os melhores! Nossas guitarras, as melhores! As embalagens de nossos CDs, as melhores! Quero que vejam isso e digam: “Uau! Quero ter a qualidade do Misfits!”. Talvez tudo isso não signifique muito agora, mas no curso dos anos, quem sabe? Acho que um dia estaremos no Rock’n’Roll Hall of Fame. Não pela quantidade de discos que vendemos, mas pelo jeito como fazemos as coisas. O pacote completo.

    1. É provável que ele esteja se referindo ao filme “The Crimson Ghost”, de 1946, onde o personagem apareceu nas telas pela primeira vez. Não consta que exista um filme chamado “Teenagers from Mars”.
    2. Famoso ilustrador peruano que imigrou para os EUA no fim dos anos 60 e tornou-se famoso por seus trabalhos que exploram temas de fantasia e ficção científica.
    3. Sable é o nome de um lutador e WWF é a mais popular liga de luta-livre americana.
    4. Trata-se do pintor Ivan Le Lorraine Albright. Esse artista pintou os 4 quadros que mostram a transformação de Dorian Gray na versão cinematográfica de 1946, dirigida por Albert Lewin e ganhadora de 3 Oscar.



    Crossover: substantivo

    Na música popular:
    1. o ato de migrar de estilo, normalmente com a intenção de obter apelo comercial junto a um público mais amplo;
       
    2. música que atravessa estilos, compartilhando atributos de vários outros gêneros musicais e, portanto, muitas vezes atingindo uma maior audiência.
    O dicionário não mente: as primeiras bandas punks americanas a incorporar elementos do thrash metal, o fizeram por questão de sobrevivência. E o fato desse subgênero musical chamar-se "crossover" não é mero acidente.

    Na próxima terça-feira, dia 22, um dos fundadores desse estilo se apresentaria no Brasil. A turnê, que incluiria datas no México, Chile e Argentina, terminou cancelada por problemas com as agências organizadoras. O grupo em questão é o D.R.I., sigla para Dirty Rotten Imbeciles, fundado em 1982 na cidade de Houston, Texas. Eles definiram os pilares do gênero e também o batizaram, através do emblemático álbum "Crossover", de 1987.

    Mas antes de falar da cena criada a partir da fusão desses estilos musicais, é importante conhecer o contexto em que ela surgiu. Em depoimento ao jornalista Marc Spitz, o vocalista do Bad Religion, Greg Graffin, revelou: “Por volta de 1985-86, não existiam [nos EUA] mais bandas de punk rock na definição clássica. Havia pouquíssimos selos punk. Esse era o contexto da época e também uma das razões pelas quais o Bad Religion foi considerado revigorante quando lançou o álbum ‘Suffer’. Na Alemanha, nos chamavam de salvadores da chama punk e tocávamos para plateias de mil pessoas, enquanto nos EUA tínhamos sorte se conseguíssemos tocar em um clube minúsculo de Orange County…”.

    O crossover surgiu nessa época e, mais do que uma experiência sonora, representou o esforço de bandas hardcore/punk em se aproximarem dos fãs de metal. Musicalmente, essa mistura só deu caldo porque trabalhou com estilos que eram primos entre si, pois que o thrash metal, originalmente, já havia bebido na fonte de Bad Brains, Black Flag e companhia.

    Não é fácil definir o disco que trouxe a primeira gravação de crossover. “Animosity”, do Corrosion of Conformity, lançado em 1985, é citado por muitos como a pedra fundamental do estilo. Nos anos seguintes, várias bandas embarcaram nessa sonoridade criada a partir da velocidade do hardcore e dos arranjos, riffs e solos de guitarra herdados do thrash. Suicidal Tendencies, Crumbsuckers, English Dogs, Agnostic Front, Gang Green e Cryptic Slaughter são alguns dos grupos que promoveram essa fusão. E o fato de todas essas bandas serem egressas da cena punk só confirma outra vez o que diz o dicionário.

    Outro indício que o público-alvo desse subgênero eram os adeptos do thrash é que os principais álbuns de crossover foram editados por gravadoras como Metal Blade e Combat. O hardcore mudava para sobreviver e era vendido em nova embalagem a plateias metaleiras.

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    D.R.I. em 1987
    O  D.R.I., autor do disco que encapsulou todos os parâmetros do estilo, é a banda que terminou mais identificada com o crossover. Gravaram apenas outros três álbuns desde 1987, e todos seguindo a cartilha do gênero, com maior ou menor sucesso.

    Olhando retrospectivamente, o crossover fechou o círculo que conecta dois estilos musicais nascidos nas ruas e avessos às fórmulas existentes. Tanto thrash quanto hardcore sobreviveram à margem do rock comercial, com bandas excursionando em velhos furgões, tocando em espeluncas e dependendo da divulgação de fanzines e programas de rádio malditos. Os grupos oriundos do punk expressavam essa dura realidade com letras críticas ao 'establishment' e influenciaram parte do thrash metal. Sacred Reich, Vio-lence e Megadeth, entre outros, adotaram também um discurso ácido e repleto de críticas sociais.

    Essa troca de influências explica a existência de álbuns como “Speak English or Die”, do S.O.D., e também os elementos punk que contaminaram o som dos novaiorquinos Anthrax e Nuclear Assault.  E como em toda onda, houve também aqueles pegaram o trem em movimento e já nasceram tocando crossover – casos de Mucky Pup, Excel e Ludichrist.

    E por que teria o crossover passado anos como um fóssil underground, até ser redescoberto pela nova geração? Talvez tenha sumido em decorrência da curva descendente do thrash, que perdeu a popularidade na virada para a década 90. Agnostic Front e English Dogs, por exemplo, descartaram os elementos de metal e reassumiram a sonoridade punk/HC depois de uns anos. Já o Corrosion of Conformity foi mais longe: explodiu a ponte e terminou metido no stoner e southern rock.

    Quase três décadas após seu auge, o crossover experimentou um 'revival' proporcionado pela redescoberta do thrash. O gênero passou a produzir novos grupos que decalcam não apenas o som, mas também a estética e a moda de rua daqueles tempos – bandanas, bonés de aba invertida, bermudas coloridas e tênis de skate.

    Difícil mesmo vai ser gravarem discos tão originais quanto esses abaixo.

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Discografia básica do crossover:

    post-crossover-capa-01
    Animosity – Corrosion of Conformity (1985)

    post-crossover-capa-02
    Speak English or Die – S.O.D. (1985)

    post-crossover-capa-03
    Cause for Alarm – Agnostic Front (1986)

    post-crossover-capa-04
    The Age of Quarrel – Cro-Mags (1986)

    post-crossover-capa-05
    Crossover – D.R.I (1987)

    post-crossover-capa-06
    Join the Army – Suicidal Tendencies (1987)

    post-crossover-capa-07
    Immaculate Deception – Ludichrist (1987)

    post-crossover-capa-08
    Can’t You Take a Joke? – Mucky Pup (1987)

    post-crossover-capa-09
    You Got It – Gang Green (1987)

    post-crossover-capa-10
    The Joke’s On You – Excel (1989)
    Nesta quinta, dia 17, será comemorado em todo o mundo o Dia de São Patrício, padroeiro da Irlanda. Internacionalmente, a data ficou conhecida por seu nome em inglês -St. Patrick's Day- e é uma ótima justificativa para beber até cair em nome do santo.

    Poucas bandas combinam melhor com a tal comemoração que o Pogues, grupo que carrega em suas veias sangue verde. O conjunto surgiu das cinzas do Pogue Mahone -gaélico para a expressão "kiss my ass"- e liderado por um punk criado na Irlanda, radicado em Londres e ex-vocalista dos Nipple Erectors.

    Autodestrutivo e um autêntico poeta das ruas, Shane MacGowan é hoje um fantasmagórico sobrevivente da heroína, do tabaco e dos excessos etílicos. O fato de estar vivo em 2016 é como imaginar Jim Morrison mendigando atualmente nas esquinas de Paris. Ou Sid Vicious ainda hoje a se drogar numa espelunca qualquer de Nova York. MacGowan é homem de outro tempo.

    Líder torto do Pogues, MacGowan notabilizou-se como uma espécie de não-cantor. Por trás do folk irlandês de alma punk, o vocalista de sorriso podre entregava letras sobre a saga migratória de seu povo ("Thousands Are Sailing"), a vida de irlandeses marginais em Londres ("Boys From County Hell") ou em completo vazio existencial ("The Auld Triangle").

    A poesia de MacGowan e a música do Pogues, executada com instrumentos de rock e também aqueles tradicionais do folk irlandês -violinos, apito, bandolim, banjo e acordeão- conquistou a atenção de dois admiradores famosos e que terminaram produzindo discos do grupo: Elvis Costello e Joe Strummer. O ex-líder do Clash, inclusive, participou de vários shows do Pogues, até mesmo no Dia de São Patrício, e integrou a banda por um curto período, quando MacGowan encontrava-se num estado físico mais deplorável que o normal.

                                                               https://lordsofthedrinks.files.wordpress.com/2012/12/shanemacgowan.jpg?w=652

    A discografia do grupo vale ouro, mas, para começar, uma boa dica é "If I Should Fall From Grace with God", de 1988. Essa obra-prima produzida por Steve Lillywhite (Rolling Stones, U2, The Smiths) traz uma coleção de pérolas. Desde a faixa título, um 'blend' magnífico de folk com levada punk, passando pela clássica balada "Lullaby of London", a dilacerante "Thousands Are Sailing" e chegando a temas festeiros como "Turkish Song of the Damned", "Fiesta" e "Sit Down by the Fire".

    O destaque do disco, no entanto, fica com "Fairytale in New York", escrita por MacGowan em parceira com Jem Finer, e lançada originalmente como single. A canção descreve os sonhos despedaçados de um junkie irlandês na noite de Natal de Nova York e apresenta um belíssimo dueto de MacGowan com a cantora folk Kirsty MacColl. "Fairytale in New York" é tida como a mais linda canção de Natal já escrita. Arrebatou um disco de platina na Inglaterra e tornou-se parte integrante da cultura popular.

    A vida de MacGowan é o espelho de sua poesia marginal. No documentário "If I Should Fall From Grace: The Shane MacGowan Story", de 2001, o cantor é mostrado em variados estados de embriaguez, sempre com um cigarro entre os dedos encardidos de nicotina e destilando causos com um sotaque impenetrável. É triste e inesquecível a passagem sobre a prisão de Shane motivada pela denúncia de sua amiga Sinéad O'Connor - sim, aquela mesma do hit "Nothing Compares 2U".

    Um 'pint' de cerveja irlandesa é a companhia perfeita para degustar a obra do Pogues. Sua música tem o poder de levantar qualquer festa, mas também um contraponto sombrio e melancólico, indicado para quem prefere terminar a noite curtindo uma fossa no canto escuro do balcão. 


    CLÁSSICOS DA BEBEDEIRA

    ~ 5 temas do cancioneiro irlandês para ver duendes ~

    • "Beer Beer Beer" (THE CLANCY BROTHERS)
      Homenagem a Charlie Mopps, o homem que 'inventou' a cerveja e nos fez escapar de passar a vida tomando chá. De acordo com a letra, o homem foi tão feliz em sua criação que só pode ter sido rei ou sultão.

    •  "Whiskey in the Jar" (THIN LIZZY)
      Há inúmeras versões dessa canção folclórica, mas nenhuma comparável à que catapultou o Thin Lizzy ao sucesso, ainda no início de carreira, com o incrível trio formado por Phil Lynott, Eric Bell e Brian Downey.

    • "The Wild Rover" (THE DUBLINERS)
      O mais famoso de todos os temas de bebedeira tem registros que datam do século XVI. Narra a história de um andarilho a quem é negado o direito de pagar fiado numa taberna - até que mostra o ouro trazido de suas viagens. Essa gravação dos Dubliners é minha favorita.

    •  "Drunken Sailer" (IRISH ROVERS)
      Ahoy! O que pode ser mais legal que uma canção de embriaguez protagonizada por marinheiros? Provavelmente, nada.

    • "All for Me Grog" (THE CLANCY BROTHERS & TOMMY MAKEM)
      Um dos meus temas prediletos do folclore irlandês. O sujeito que gasta tudo em tabaco, whisky e pagando bebidas para as moças. Termina vendendo o par de botinas e outras peças de roupa para continuar bebendo.